Adriana Hidalgo Editora

Una saga de varias generaciones equiparada a clásicos como “Cumbres borrascosas” de Emily Brontë y “El gran Gatsby” de Scott Fitzgerald. Un momento decisivo en la literatura japonesa.
A partir de la inquietante historia de un amor prohibido, “Una novela real” cuenta el último medio siglo de Japón. Aquí se pone al descubierto la estructura social japonesa de preguerra como fuente de las miserias, dificultades, anhelos, esplendores y tragedias humanas que gradualmente produjeron el surgimiento de una ambivalente clase media en los cincuenta años posteriores a la guerra.
La novela narra la saga de varias generaciones y distintos niveles sociales, desde mediados del siglo XX hasta el Japón actual. Escrita con maestría narrativa hasta en los menores detalles, la prosa de Minae Mizumura ha sido descrita como «sinfónica». Comparada con clásicos como “Cumbres borrascosas” de Emily Brontë y “El gran Gatsby” de Scott Fitzgerald, “Una novela real” marca un momento decisivo en la historia de la literatura japonesa.

En este título fundamental de su labor como historiador de las mentalidades, Ariès rastrea el lento pero inexorable proceso de pérdida de familiaridad con la muerte: cómo se ha pasado de la muerte cercana y “domesticada” de la Edad Media a la muerte prohibida, maldita y desterrada de nuestros días. En las cambiantes concepciones humanas frente a la muerte a lo largo del tiempo no solo se van configurando sucesivas formas de convivencia con el final de la vida sino que vemos confirmarse que huir de la muerte es la tentación de Occidente.

Una intriga laberíntica en la China de comienzos del siglo XX, la historia vital de una mujer marcada por el deseo revolucionario, la utopía y sus excesos.
En esta extraordinaria novela seguimos la trayectoria vital de Lu Xiumi desde el despertar sexual hasta su muerte, pasando por la adhesión a los ideales revolucionarios y su posterior decepción. Secuestrada en su viaje nupcial y cautiva en una isla, Xiumi será testigo de las luchas que llevan a la devastación final de la aldea y de la utopía que representaba.
Tras el exilio en Japón y su conversión revolucionaria, Xiumi regresa al pueblo natal para poner en práctica sus ideales políticos, que terminan en fracaso y tragedia personal. Apresada y condenada a muerte, se salvará de milagro por el estallido de la revolución de Xinhai (1911), que pone fin a la dinastía Qing e instaura la república. En su metamorfosis final, Xiumi intentará reconciliarse con su destino para terminar esbozando una nueva forma de sentido y una utopía más modesta.

En Relatos fantásticos el maestro del realismo ruso nos sumerge en mundos donde la frontera entre lo natural y lo sobrenatural se diluye en medio de sugestiones y enigmas que perduran después de su lectura.
Iván Turguéniev es uno de los grandes nombres del realismo ruso, pero aquí el lector se sorprenderá con un Turguéniev casi desconocido. Estas historias, prácticamente desconocidas para el lector hispanoparlante, lo revelan también como uno de los grandes escritores de relatos fantásticos.
En los nueve relatos que integran esta selección, el genial autor ruso logra con destreza esa condición que Todorov considera inherente al género fantástico: los personajes no sólo se desconciertan, dudan, se preguntan si aquello que viven en realidad sucede, o bien es producto del sueño o la imaginación; también contagian esa duda a quien lee.
Iván Turguéniev, maestro indiscutible de la escritura elegante, amigo de Flaubert y Tolstói, es sin duda uno de los más notables autores de la fecunda literatura rusa del siglo XIX.

Multitudes. El estadio como ritual de intensidad es un ensayo sobre la experiencia colectiva que implica la participación en eventos masivos, especialmente en estadios de fútbol en Europa y América. Recuperando a pensadores fundamentales como Gustave Le Bon (Psicología de las masas), Sigmund Freud (Psicología de las masas y análisis del yo), José Ortega y Gasset, (La rebelión de las masas), Elias Canetti, (Masa y poder) y Peter Sloterdijk, (El desprecio de las masas), Gumbrecht reflexiona sobre el lugar de las multitudes en las sociedades contemporáneas. En un libro escrito en plena pandemia, con fuertes restricciones a la circulación y la congregación, el autor revisita su experiencia personal en partidos de fútbol junto a experiencias etnográficas en distintos estadios del mundo. Del Santiago Bernabéu a la Bombonera, del Maracaná al Signal Duna Park. Se mezclan la historia del fútbol y las experiencias colectivas casi religiosas que hacen que miles de personas diferentes se fusionen por unos minutos al devenir hinchas de un equipo. De las masas de los estadios a las multitudes de la vida antigua y la política moderna. De Maradona a Nietzsche, de la Revolución Rusa al Tea Party, de Jesús a Marx.

El arte contemporáneo global y su uso creativo de la tradición, del pasado y del patrimonio, suponen un combate al legado eurocentrista establecido por el arte moderno.
El arte contemporáneo global rompe el mito del modernismo europeo, al reactivar varias formas de herencia, desde la pintura de tinta de literatos en China hasta la pintura aborigen en Australia, para proponer futuros nuevos y diferentes.
Joselit analiza no solo cómo el patrimonio se vuelve contemporáneo, a través de la práctica de artistas individuales, sino también cómo una infraestructura cultural de museos, bienales y ferias de arte en todo el mundo ha surgido como un medio para generar valor económico, atraer capital y dólares turísticos.
Joselit traza tres formas distintas de modernismo que se desarrollaron fuera de Occidente, en oposición al modernismo euroamericano: el realismo poscolonial,socialista y clandestino. Sostiene que estas genealogías modernas están sincronizadas entre sí y, con el modernismo occidental, para producir arte contemporáneo global.

El célebre filósofo traza su paraíso personal de obras de arte. Cada imagen aquí incluida se acompaña de un comentario de Agamben, en una galería que recorre 5000 años de arte, que el pensador transforma en eternamente presente.

En los palacios renacentistas se llamaba studiolo al pequeño salón donde el príncipe se retiraba a meditar o leer, rodeado de cuadros que amaba de modo especial. Este libro es, para Giorgio Agamben, una especie de studiolo. ¿No son acaso una especie de paraíso las imágenes de las cuales cada uno de nosotros querría estar siempre acompañado? Un paraíso de los sentidos, sin duda, pero también y ante todo de la mente, si de lo que se trata en esas imágenes es algo que de otro modo no sería dado comprender. Cada una de las imágenes aquí reunidas, tienen su punto de partida en la mirada y se acompañan de bellísimos comentarios de Agamben, en los que se entrelaza la crítica, el análisis, la historia, la sensibilidad, la reflexión. Independientemente de su situación en la historia del arte, las obras aquí reunidas son consideradas clásicas y de ellas se intenta extraer una lección o un consejo. La apuesta en la que se basa todo comentario filosófico es, de hecho, que el tiempo en el cual la obra fue producida no coincide por fuerza con el de su legibilidad. Y si llamamos presente al instante en el cual una obra alcanza su legibilidad, las obras comentadas en este libro, aunque compuestas en un lapso que va desde 5000 a.C. hasta nuestros días, pertenecen todas por igual al presente, convocadas aquí y ahora en un instante eterno.

En esta novela, precuela de Síndrome Praga, Katka Fůrstová llega a la capital argentina, para localizar un gran emblema de la cultura praguense que, en pleno ascenso nazi, traficó un grupo de iniciados en el misticismo judío.

La misión que, de a poco, la lleva hacia uno de los rincones más céntricos y, a la vez, secretos de Buenos Aires muta y tambalea casi tanto como su ánimo, a medida que va absorbiendo los extraños códigos de la vida porteña.

Reveladora, poética y divertida, esta lúcida precuela de Síndrome Praga hace convivir el Barolo y el Palacio de Aguas Corrientes con parrillas de barrio, novelas góticas de Gustav Meyrink y la popular euforia de Natalia Oreiro.

Con su inusual extranjería, Alto en el cielo logra una de las metas de toda novela: el poder de resignificar, tanto la trama de su novela anterior, como los lazos culturales con Europa Central, la condición de Buenos Aires como inagotable metrópolis literaria y, además, esa extraña resistencia ―que, en esta historia, encarnan los artistas apartados―, hecha de ironía y talento, siempre ocupada en digerir tantos años de cíclicas repeticiones como las que, según la leyenda, marcan el regreso del Golem.

La otra mitad de Dios es un ensayo filosófico que comienza con un comentario al Génesis, en particular el episodio de la destrucción de Sodoma por dos ángeles exterminadores. El libro se estructura según tres marcas de lo contemporáneo: la destrucción, la punición y la mistificación. Por un lado, se analizan los relatos fundantes de la tradición judeo-cristiana y la griega; por otro, los mitos de la tradición mesopotámica, poco conocidos pero muy influyentes, porque preceden y alimentan a las tradiciones judeo-cristiana y griega.

Hay un paradigma que poco a poco sobrevuela el ensayo: el hecho de que en todos estos relatos la culpable por excelencia es la mujer. La otra mitad de Dios señala la desaparición, en nuestra memoria, de la Diosa Madre, que precedió al Dios Padre, y sigue presente de diversas formas en ambas tradiciones que conforman nuestro imaginario: la Biblia y la mitología griega. La diosa, que aún domina la mitología mesopotámica, y cuyo culto, derrotado por el patriarcado, previó un mundo compartido por el hombre y la mujer, sin pecado ni castigo.

El libro es la experiencia de una forma crítica y reflexiva de sentarse a escuchar la voz y los silencios de la mujer en Occidente. Con una escritura que lleva el impulso oral y femenino de contar historias en presencia de otros.

A través de una prosa sobria e inteligente, la autora va analizando detalles que resignifican cada una de las historias “primordiales” que cuenta para proponer una lectura que revela lo que esconden. ¿Podemos contar nuestra historia de manera diferente?

Según Ginevra Bompiani «tenemos que interrogar nuestro imaginario, por qué queremos pensarnos como castigados y culpables; qué significa para nosotros la culpa, el castigo, la relación entre estas dos constantes de la historia humana […] esto es lo que trato de hacer en este libro: cuestionarme el imaginario humano, qué cosa lo alimenta y lo retiene, entender si podemos elegir otra historia que nos deje ser libres».

Con este libro, Nicolas Bourriaud busca contribuir al surgimiento de una estética inclusiva que requiera un aprendizaje de la mirada finalmente descentrada, en el seno de un universo plurivalente, donde se incluya a los no humanos. Basada en una visión ampliada de la antropología, esta estética ratificaría el final de los binomios que estructuran el pensamiento predador de Occidente. En una estética inclusiva, formas y materias constituyen un tipo especial de cooperación, tal como sucede entre el ser humano y lo que se denominaba antes su “entorno”. En lugar de reaccionar ante las formas, las imágenes o las ideas con las herramientas heredadas, se ha hecho necesario elaborar nuevas herramientas. Por otra parte, el confinamiento mundial que marcó la pandemia de la Covid-19 nos deja entrever lo que podría ser la etapa siguiente de esta sedentarización. Si todos los individuos habíamos ya interiorizado la idea de que nuestro papel en la Tierra consistía en ser inmediatamente utilizables por el sistema productivo, nada tiene de asombroso, por lo tanto, que las modalidades de gobernanza contemporánea se vean transformadas por este proceso de domesticación general de lo viviente, dentro del cual los humanos y los no humanos se ven reunidos por su condición de materia prima.
En el seno de la catástrofe climática, el arte podría construir un modelo alternativo y una inspiración para las actividades humanas. La catástrofe ecológica nos conmina hoy a replantearnos el espacio que nuestras sociedades le han asignado al arte. La creatividad, el espíritu crítico, el intercambio, la trascendencia, el vínculo con el Otro y con la Historia, todos valores intrínsecos a la práctica artística, resultan también vitales para el futuro de la humanidad.
Al tratar de desplegar algunas de las figuras estéticas que flotan en el capitalismo planetario, Inclusiones intenta, a la vez, describir los retos de la actividad artística en tiempos del capitaloceno y abogar para que se la reconozca como una necesidad vital.

Un libro que reflexiona sobre aquellas formas de arte que transitan entre lo excluido y lo admitido, entre el residuo y el producto, entre la disidencia y el poder.
Desde inicios del siglo XIX, arte y política fueron moldeados por la fuerza centrífuga que irradió la Revolución industrial: movimiento de exclusión social, por un lado; rechazo categórico por el otro, de ciertos signos, objetos o imágenes. Como en el modelo de la termodinámica, la energía social produce un residuo, generando zonas de exclusión en las que se apiñan en completo desorden el proletariado, los explotados, la cultura popular, lo inmundo y lo inmoral: el conjunto subvaluado de todo lo que no se podría ver.
Luego de los polémicos y muy exitosos «Estética relacional», «Postproducción» y “Radicante”, Bourriaud se propone presentar en este nuevo libro el ámbito de lo exformal como el lugar donde se desarrollan las negociaciones fronterizas entre lo excluido y lo admitido.

En la Antigüedad, mientras los hombres se lanzaban a empresas de exploración y conquista, las mujeres permanecían inmóviles en su hogar. El Medioevo les otorgó una forma de viaje permitido: la peregrinación a los Santos Lugares. Durante el Renacimiento, artistas e intelectuales humanistas viajaron a Italia para tomar contacto con la cultura clásica, anunciando los Grand Tour, las giras educativas por Europa que en el siglo XVIII realizarían los jóvenes aristócratas británicos. Esos itinerarios estaban reservados a los varones, por entonces las mujeres sólo podían desplazarse como acompañantes de sus maridos. Aun desde ese lugar, el viaje les abrió nuevos horizontes. Dejaron de ser espectadoras pasivas de los desplazamientos de otros para convertirse en observadoras de nuevas dimensiones espaciales y emocionales, e incluso en narradoras que exploraban la propia subjetividad: su mirada curiosa empezó a transformarse en literatura de viaje, un género en el que se amalgamaba el propósito testimonial con el registro privado, íntimo, de la autobiografía, el diario o las cartas que reponían la experiencia personal.

El momento de cambio en el siglo XIX vino con la descolonización y la creación de nuevos estados, en coincidencia con el surgimiento del feminismo. Las mujeres ya no escribieron recluidas en sus casas o en los conventos, y durante el avance hacia la emancipación civil y política que alcanzarían en la centuria siguiente, reseñar sus viajes fue una manera de apropiarse de ciertos derechos exclusivos de los varones. Accedieron así a la escritura como profesión y, en consecuencia, a la esfera pública. Estas escritoras proyectaron en sus narraciones la imagen que tenían de sí mismas.

Como nos muestran las protagonistas de este libro, en cada caso las motivaciones personales enmarcan el relato. Son, en su mayoría, las de la burguesía trotamundos: huir de la realidad cotidiana, ir en busca de aventuras, lograr la realización personal, escoltar al marido. Entre ellas hay una militante anarquista que escapa de la persecución política. Para unas, la Argentina es el punto de partida. Para otras, el lugar de destino. Sus miradas y sus voces son plurales. El viaje las impulsa a recrear el itinerario en la memoria, para escribirlo, para invitarnos a recorrerlo junto a ellas.

«El Premio de Ensayo Crítico invitaba a pensar problemas que recorrieran el arte argentino durante los últimos años, también sobre un corpus de obras o exhibiciones realizadas por artistas argentinos en los últimos quince años; estas eran unas proposiciones abiertas que no podría haber emprendido sin meditar antes sobre otras variables que exceden al arte e implican algo más grande. Algo que indecorosamente podría ser llamado mundo. Quería pensar a partir de aquella noche que la escatología cibernética había bautizado Y2K, es decir desde el inicio del siglo.
También, percibiendo como André Breton que «la sensibilidad jamás cambia radicalmente», otra cuestión disparó este ensayo: ¿cómo se filtra la modernidad en el arte contemporáneo? Una modernidad entendida como un sistema heterotópico, integrado por manifiestos, vanguardias y retaguardias, técnicas, voluntades subversivas."

El método MDA propone acciones que, en su desarrollo, atraviesan instancias íntimas y públicas de la práctica artística. Funciona como entrenamiento y desarrolla colaboraciones grupales para experiencias que en general vivimos en soledad. MDA se aplica a todos los medios, y es de gran utilidad para la solución de problemas.
Estas acciones se entregan en esta ocasión organizadas en listas de prácticas diarias, para que siempre sepas qué hacer cuando llegás al taller, o cuando decidís sentarte a dibujar, a pintar o a pensar en tu obra. Si bien son prácticas de dibujo y pintura, están dirigidas a aprender a pensar con las manos.
Tienden a encontrar el discurso implícito en la materia y a utilizar oficios y medios como un modo de ser. Se trata de atravesar experiencias físicas de comprensión, lugares de donde no se puede volver.
Este Manual desglosa los conceptos ya publicados y extendidos en el MDA y en el proyecto Historias del Arte. Diccionario de certezas e intuiciones. Está compuesto por unidades mínimas para facilitar la labor. Va de lo genérico a lo particular.

¿Qué pasaría si la humanidad desapareciera sin apocalipsis ni juicio moral, dejando atrás un cosmos indiferente?
Thomas Moynihan explora cómo, desde la astrobiología hasta la estadística, pasando por la geociencia, hemos aprendido a reconocer nuestra propia fragilidad.
Con rigor histórico y filosófico, Moynihan muestra cómo asumir el riesgo existencial (riesgo-X) define y completa, de algún modo, nuestra «mayoría de edad» como civilización y especie. Más que anticipar el fin, esta toma de conciencia nos invita a reflexionar sobre nuestra responsabilidad ética: si dejamos de existir, nada humano perdurará.
Así, un libro sobre la extinción podría esconder, paradójicamente, un posible final feliz si la conquista del espacio se revela como alternativa. Ad astra per aspera.

El paisajismo vuelve histórico lo natural. No obstante, la pintura de paisaje vulnera, al fijarla, la indeterminación de la naturaleza, porque necesita privarla de movimiento para que se la pueda representar como arte. A la vez, es por intermedio del paisaje que se alcanza lo propio de la belleza natural, que consiste en ser lejana, pues la lejanía es el fundamento de todo lo bello. Entretanto, una pregunta resuena: ¿la belleza habita en lo percibido o en quien percibe?

Un lugar de la ciudad que es en sí una ciudad. Desde 1862 se llama Plaza San Martín y se encuentra unida a puntos cercanos como la calle Florida, el emblemático edificio Kavanagh o la estación Retiro. Pero un lugar no cobra sentido hasta que no se metaboliza en ser humano.
Es así como las presencias de Jorge Luis Borges, Mario Benedetti, Silvina Ocampo o el Padre Mugica, entre otros, dibujan con sus itinerarios vitales el mapa de un rincón cargado de recuerdos y reflejo de momentos clave de nuestra historia.

En un escenario dominado por la amnesia y el sonambulismo, las alucinaciones y las ensoñaciones, el sujeto burgués, cuya identidad parecía tan sólida, se revela habitado por máscaras que escapan a cualquier dominio, presa de un desdoblamiento que jamás podrá recomponerse. Al final, la identidad del sujeto occidental resulta ser una figura sombría y constitutivamente doble, que vive solo en sus carencias y sus olvidos, en sus pérdidas y sus distracciones. Inmemorial y, precisamente por eso, inolvidable.

The Stack cruza filosofía y software, urbanismo y tecnología, ecología y geopolítica. Es un estudio interdisciplinario y una herramienta para soñar y planificar cómo podemos construir mejor, vivir dentro, comunicarnos y gobernar nuestros mundos.
Vivimos una época de cambio y aceleración vertiginosa marcada por la disrupción digital, la crisis climática y el desorden global general. En este contexto, la publicación de The Stack, que cruza filosofía y software, urbanismo y tecnología, ecología y geopolítica, no podría ser más adecuada. Esta obra de Benjamin Bratton es un estudio interdisciplinario y una herramienta para soñar y planificar cómo podemos construir mejor, vivir, comunicarnos y gobernar nuestros mundos.
En palabras de Kim Stanley Robinson, autor de libros como Nueva York 2140 y El Ministerio del Futuro: «Este asombroso libro, que invita infinitamente a la reflexión, es a la vez un mapeo cognitivo y una geometría proyectiva de las nuevas dimensiones de la realidad tecnológica en la que vivimos».

Los relatos que integran este libro fueron escritos por Di Benedetto en la cárcel, preso por la dictadura militar argentina entre marzo de 1976 y septiembre de 1977. Durante su cautiverio fue golpeado y sometido a cuatro simulacros de fusilamiento. No podía escribir, porque destruían sus papeles, pero encontró un ardid. Le mandaba cartas a una amiga que comenzaban «Anoche tuve un sueño muy lindo: voy a contártelo…". Así transcribía los textos de sus cuentos, con letra microscópica, que había que leer con lupa y en los que abundan situaciones de invasión y peligro en espacios reducidos. Absurdos se publicó por primera vez en España en 1978 y a once cuentos inéditos sumaba otros cuatro publicados, ofreciendo así una deslumbrante antología de su labor como cuentista, con títulos inolvidables como “Caballo en el salitral” o “Aballay”.